Il delfino e l’ancora – Aldo Manuzio

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Aldo Manuzio, ancora, classici, delfino, editoria, Libri, Paesaggio, pittori, tascabili, venezia, xilografie

Dal 19 marzo al 19 giugno, nelle rinnovate Gallerie dell’Accademia a Venezia si può visitare una mostra molto interessante, non soltanto per i Veneziani ( in quanto Aldo Manuzio è un editore che ha praticato la sua attività nella Venezia del Rinascimento), ma per tutto il mondo, perchè con lui nasce l’editoria moderna, che in seguito si propagò da Venezia verso l’Italia, l’Europa e il mondo intero: una rivoluzione paragonabile soltanto a quella che attualmente si sta svolgendo  attraverso internet.

“Venivamo tutte per mare” di Julie Otsuka

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donne giapponesi, Julie Otsuka, Marina Raccanelli

“Venivamo tutte per mare” di Julie Otsuka è un romanzo delicato e tagliente, documentato e poetico. Nata a Los Angeles, la scrittrice nippo-americana condensa la storia di migliaia di giovani donne giapponesi in un libretto snello di pagine, ma talmente denso di fatti e di emozioni che poteva diventare, nelle mani di un altro scrittore, un volume pesante come un vocabolario.

Fin da subito, emerge una scrittura molto particolare, modellata in assoluta coerenza con il punto di vista scelto, quello di un’identità collettiva e molteplice: un “noi” corale, che racconta l’odissea di queste donne, partite dal Giappone per sposare gli immigrati giapponesi in America prima della seconda guerra mondiale – le cosiddette “spose in fotografia”.

paesaggi

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Marina Raccanelli, Poesia

Non è un luogo dove stare

la testa di un corvo, il corpo della tempesta

il respiro non scorre lungo i rovi

né il sangue sul cuscino delle ossessioni

non è la mia mente un agevole luogo

la diradano nebbie e pioggia a spilli

giorno e notte la timbrano i sogni

*

leggendo Alice

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Alice Munro, Note di lettura, Racconti

Ogni racconto di Alice Munro proietta il lettore in un punto qualunque del tempo e dello spazio appartenenti a donne e uomini (soprattutto, ma non solo donne) , dentro di loro e nelle loro case, fra i loro oggetti, nella natura che li circonda e che alcuni di loro percepiscono con acuta sensibilità. Ascoltiamo le loro parole e vediamo i loro gesti; intorno ad ogni sillaba aleggia il non detto, si allungano le ombre di ciò che nessuno oserebbe dire a voce alta e vengono abbozzate le sfumature di ciò che i personaggi (sarei tentata di scrivere “le persone”) non oserebbero neppure pensare; intorno ai loro movimenti, il lettore avverte ciò che non è stato fatto o non si potrà mai fare. E tutto con la leggerezza di una piuma e insieme con la precisione di un bisturi.

stanza ottica – notturno

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luna, stanza ottica

 

 stanza ottica

Il disegno ha uno scarto

la casa ruota d’un tratto, si sposta –

una luce schiara le stanze dall’alto

e la vedi tutta:

il passato è morbida massa

plasmata, una matita scorre

forza la linea di demarcazione

e l’occhio sconfina

Bianco e arancio – Bianco e nero – Corallo e fiamme

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acqua, Colori, lagune, ossa, semi, vento, versi

   Rotko

Bianco e arancio (La lentezza del tempo)

I versi sono sassi nell’acqua

la lentezza del tempo sconcerta l’albero –

una luce di gesso spolvera i rami

pesa su mezzelune di ciglia

disegnate sui volti chiusi

 

il giardino dorme, il cane respira

scorre tra rive l’acqua bianca

 

e soffrono in attesa semi e ossa –

non c’è luna d’arancio che lieviti

né rossore di schiuma a rompere il vetro –

giacciono nel profondo le sillabe

dormienti, in trasmutazione

 

L’albero del futuro – 28 – Marina Raccanelli

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L'albero del futuro, Le sfide di VDBD

foto di Piero Orsoni

Fosse un frutto
.
Una tazza di thè, forte e chiara
con un vortice in fondo –
il suono del cucchiaino
.
nei suoi umidi panni, la notte
si sbriciola
.
fosse un frutto, il giorno che viene
o ciambella fragrante, sangue d’amore
nelle parole e nei segni
rosignolo selvatico nella bruma, liuto nel bosco

Tre colori – rosso inquieto, viola e color del tempo

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Colori, ghiaccio, suoni, tempo

( Mark Rotko)

Rosso inquieto

Rosso inquieto e l’acqua danzante
in gorgonesco ribollire
dell’argento e del nero, poi lo sciacquio
sotto il fendere d’eliche veloci –
grattacieli di vetro e di metallo
avanzano sulla laguna
la città si allontana nel tramonto

Figlie di Choro

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Anfossi, Figlie di Choro, Metastasio, Ospedaletto

 

Le “Figlie di Choro” vivevano recluse, giorno dopo giorno passavano il loro tempo fra dormitori, refettori e stanze dove raffinavano la loro arte vocale o strumentale dirette dai loro maestri; la domenica, facevano sentire le loro voci angeliche oppure il suono di clavicembali e violini al popolo riunito per la messa, incantato dalle melodie e dalle voci disincarnate che scendevano celestiali dall’alto, diffondendosi dalle grate dietro le quali stavano nascoste le “Figlie di Choro” dell’Ospedaletto, o le “Putte di Vivaldi” della Pietà.

Erano le orfanelle raccolte dagli ospedali della Repubblica Veneta, pie istituzioni finanziate dalle Scuole Grandi ( confraternite a base religiosa) e da benefattori, dove venivano curati i malati, ricoverati gli anziani e educati gli orfani; le bambine e le fanciulle più dotate potevano approfondire i loro studi per diventare virtuose del canto o negli strumenti. Qui nacque il termine “Conservatorio”, poi diffuso in Italia ed Europa, a indicare il luogo dove le fanciulle povere potevano conservare intatta la loro verginità mentre studiavano il canto, fino al momento in cui potevano uscire se richieste in moglie.

La musica riempie il tempo – e lo spazio

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archi, contrabbasso, musica, spazio, tempo, violoncello, Vivaldi

Controluce salivano gli archi 
ebani e crini vibravano paralleli  
da gusci d’ombra, il violoncello cantava
il contrabbasso profondo rispose
con i violini giovani

nell’urgenza insistente, un batticuore…
l’orchestra di Vivaldi s’impennò:
fu tempesta di braccia, danza e frusta
delle dita sapienti, polvere luminosa –
le clessidre si fusero in estuari
di desideri al fosforo e note esplose

oltre gli alberi millenari, oltre gli intrecci
di foglie stellate – albe e tramonti
scorrevano bruciando i contorni

stagioni senza fine riempivano lo spazio

IL MOSTRO DI JOANA

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Contamination, Joana Vasconcelos, Palazzo Grassi

Joana Vasconcelos
Contamination, 2008-2010
Elementi a maglia e uncinetto fatti a mano,
applicazioni in feltro, maglia industriale,
tessuto, ornamenti, polistirolo, poliestere,
cavi d’acciaio / dimensioni varie

L’opera è esposta nella mostra  “Il mondo vi appartiene”, Palazzo Grassi, 2 giugno – 31 dicembre 2011.

Il mostro di Joana è alto tre piani, domina lo spazioso cortile coperto di Palazzo Grassi sparando subito i primi colpi di una inopinata e bruciante sorpresa.
Si libra con liane di braccia e tentacoli colorati al disopra dei visitatori, avanzando nello spazio con piglio impudente e deliberata minaccia; incute il reverenziale timore di un mitico prodigio…striscia e si allunga giù per lo scalone di marmo, si contorce ed aggroviglia sul pavimento lucente. E insieme chiede: venite, venite a guardarmi da vicino, esplorate i miei meandri, avrete altre gradite sorprese.

Le “impiraresse”

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impiraperle, impiraresse, Murano, perle

“Maria! Tina! Zanze(Angela)! Rosina…“

I nomi risuonano allegri e veloci nel campiello ancora ombroso di prima mattina, la bionda, la morettina e quella sempre spettinata si beccano amorosamente tra loro come gallinelle, mentre le mani scorrono rapide a rastrellare sciami di perline multicolori nei vassoi sopra i grembiuli.

La più giovane scoppia a ridere ad ogni minimo pretesto, e quando comincia non la smette più; la decana disincantata la riprende con cipiglio severo: “ciò ti, ma par cossa ti te imboressi sempre!”

Poi, si scioglie in una risata silenziosa.

ON FIRST LOOKING

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Biennale, Flavio Villani, haka, incomunicabilità, installazione, interattivo, Liszt, maori, Michael Parekowhai, New Zealand, performance

On first looking into Chapman’s Homer- Michael Parekowhai

New Zealand Venice Biennale 2011- Palazzo Loredan dell’Ambasciatore

4 giugno-23 ottobre 2011

Durante tutto il XX° secolo e all’inizio del nuovo millennio, in tutte le discipline artistiche si sono susseguite molteplici avanguardie con lo scopo specifico di distruggere, rivoluzionare o demistificare i canoni espressivi ed i valori dell’arte classica, o comunque dei secoli precedenti; e questo sia lavorando all’interno delle singole arti, sia scavalcandone i confini per produrre nuovi mix trasversali e nuove forme d’arte basate su tecniche di ultima generazione.

Nel frattempo, soprattutto verso la fine del XX° secolo e nel nuovo millennio, mezzi di comunicazione quali internet e affini hanno intensificato la globalizzazione del mondo intero, e quindi anche di quello artistico, portando i costruttori ed i fruitori d’arte a possibilità di contatti e a trasversalità multidisciplinari sempre più diffuse, inedite, impensabili in precedenza.

Promemoria

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galassie, memoria, radiazioni

Lei mi guarda dal muro –
le rispondo
con gli occhi della memoria

nell’incipit di una giga in blues
questa sera il lampione scioglie
gocce argento nel vetro –
nello specchio di pioggia
profili notturni vedo

sospesa come luna
la melodia del flauto
galleggia e si fa strada
su ciottoli di pianoforte

di là dal mare, sopra le siepi
oltre le foglie dei tassi, più su
impigliate nei pioppi a rovescio, più in alto
nei fori di nuvole in corsa
da galassie a spirale, meteore, venti stellari
scendono per venirmi incontro
radiazioni invisibili, quasi
le immagini dei vivi e dei morti –
promemoria sui muri e tra i fogli –
mi entrano dentro, spostano
le connessioni

Marià Fortuny – luci dell’Ottocento

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Fortuny figlio, Fortuny padre, ottocento, pittura, Unità d'Italia

Vincenzo Capobianchi – Il vestito giallo

L’OTTOCENTO ELEGANTE.
ARTE IN ITALIA NEL SEGNO DI FORTUNY, 1860 – 1890

Rovigo, Palazzo Roverella, via Laurenti 8/10;
29 gennaio – 12 giugno 2011

Ho conosciuto a Rovigo, nella mostra di Palazzo Roverella, Fortuny padre – Marià Fortuny i Marsal, catalano – sì, proprio il padre del più noto Fortuny, quel Mariano citato anche da Proust e D’Annunzio, vissuto nello splendido Palazzo omonimo a Venezia, ricco delle eclettiche vestigia della sua versatile personalità artistica. Pittore fortmente connotato dal colore e dalla sensualità della sua terra, Fortuny padre fu anche fondatore di una corrente pittorica tanto fortunata ai suoi tempi quanto poco nota oggi, specialmente al vasto pubblico.

Lino Tagliapietra – Il vetro è vivo

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Lino Tagliapietra, Marina Raccanelli, Murano, Rosa Barovier, Studio Glass, vetro

Lino Tagliapietra – Da Murano allo Studio Glass | opere 1954-2011

Venezia, Palazzo Cavalli Franchetti -19 febbraio 22 maggio 2011

Il vetro è un materiale meraviglioso. Perché? Perché il vetro è vivo. Anche quando è freddo continua a muoversi.

È legato al fuoco, è legato all’acqua, è così naturale. Il vetro è la mia vita

Lino Tagliapietra

 

“Lino Tagliapietra è innanzitutto un artista di straordinaria creatività e, grazie al suo forte temperamento, ha sviluppato uno stile personalissimo, che è riconoscibile anche dall’occhio meno esperto e che ha fatto scuola. Lino però è nato e rimane tuttora maestro vetraio nel senso più nobile del termine e ciò influisce sulle modalità e i risultati del suo lavoro di artista. Egli è stato educato e si è educato al lavoro vetrario alla luce della peculiare sensibilità veneziana nei confronti del vetro, che intende valorizzarne le caratteristiche di materiale assolutamente particolare, suscettibile di essere fuso, soffiato e modellato a caldo. Non percepisce affatto il vetro come un surrogato della pietra dura, del cristallo di rocca in particolare, come succede in centri vetrari con differenti tradizioni storiche, e di conseguenza nelle sue opere l’incisione e il taglio hanno un’incidenza molto minore rispetto alle lavorazioni a caldo. Nel suo lavoro è inoltre difficile, se non impossibile, separare la fase progettuale da quella tecnico-sperimentale, in quanto egli pensa in vetro, cioè concepisce l’opera non solo nelle sue qualità estetiche ma contemporaneamente anche nelle modalità della sua esecuzione. “

Rosa Barovier Mentasti

Il coniglio di Chardin

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animali, bicchieri, bottiglie, natura morta, ritratti

Jean Siméon Chardin è un pittore francese del Settecento non molto conosciuto in Italia; recentemente l’ho “scoperto” a Ferrara, dove una mostra monografica ne tracciato, per la prima volta nel nostro paese, tutto il percorso formativo, dalle composizioni giovanili alla sua lenta ma sicura ascesa, fino alla vecchiaia ricca ancora di frutti creativi. E l’ho trovato incredibilmente attuale, nella sua essenzialità quasi “metafisica”.

Figlio di un fabbricante di biliardi, Jean Siméon segue solo in minima parte i percorsi tradizionali; appropriatosi della tecnica pittorica all’Accademia reale, entra poi in uno studio come apprendista ma rifiuta da subito i soggetti alla moda, storici e mitologici, per dedicarsi allo studio diretto della realtà attraverso le sue nature morte assolutamente diverse dalle lussureggianti composizioni del Seicento. Al contrario, Chardin mette in scena, sopra una tavola di marmo bruno, bottiglie, bicchieri, frutta, e le ritrae con colori morbidi e discreti ma caldi, in posizioni architettonicamente studiate: oggetti quotidiani di una semplicità estrema, la luce e le sfumature sono tutto.

Il pittore e la modella

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Canova, Guttuso, modella, Munch, Picasso, pittore, Pratt

Il pittore e la modella. Da Canova a Picasso.

TREVISO, Casa dei Carraresi
Via Palestro, 33/35

13 novembre 2010 -13 marzo 2011

Il pittore e la modella: argomento quanto mai affascinante! Godere la sua rappresentazione visiva nel percorso di un’esposizione, capace di evidenziare svariati aspetti di questo inesauribile rapporto, era per me un’aspettativa davvero piacevole e stimolante.

Dopo aver visto la mostra attualmente presente nella Casa dei Carraresi a Treviso, non posso dire di esserne rimasta pienamente soddisfatta. Il titolo completo recita: “Il pittore e la modella. Da Canova a Picasso.”; infatti l’esposizione, curata da Nico Stringa, docente di Storia dell’Arte contemporanea a Ca’ Foscari, propone un itinerario attraverso due secoli, prendendo spunto da un mito nato durante l’epoca neoclassica ed il primo romanticismo, quello cioè dello stretto legame, non solo di lavoro, tra artista e modella, mito che poi ha avuto una fortuna ininterrotta fino al Novecento.

Abitare l’assenza

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abitare, assenza, pietra, rupe, suoni, trasvolare, vetro

Abitare l’assenza
dove la terra è pietra
pinnacolo o lastra

abitare un cubo di vetro
sentendomi nuda a volte
trasparente più spesso

abitare la rupe, il leccio
cave di parole urlanti
e scavarsi una tana

trasvolare, disorientata rondine
tempeste di sale, ostacoli e nebbie
e pensare lanterne arancio
palle di luce in carta di riso, note
salienti in trasverso ai cieli –
dita in salire di spruzzi, sul brivido-corpo
morbidezze di ritmi blu –
vivere il palazzo dei suoni, che distilla
amaro purissimo in veste
d’amaranto ritroso

La voce del fiume

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acqua, fiume, monte

 
E nuovamente mi tornano incontro
meridiani d'ombra, steccati aperti
e la voce del fiume antico

tremano lampi e aghi, qui
e vapori oltre i rami -
mormora il grigio, il sangue batte
i ricordi sono sospesi:
testimoni mi siano gli alberi,
fiduciosi e presenti,
la danza dello scoiattolo e i grilli

nuovamente un respiro vapora
dal sottosuolo
invisibile fiato avvolge i tronchi
un concerto sottile ascende
ai mutevoli cieli...
…

il profilo del monte scivola
nel mio cuore notturno -
resto
accoccolata in attesa

Dopo la tempesta

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muro, pittura, Poesia, Safet Zec, Tempesta

Dopo la tempesta, Aisha ha bevuto, il gatto ha danzato
il garage è scoperchiato, l’asfalto
cosparso con rami d’albero e fiori

cicale al buio, merli ai miei piedi e grilli al sole
zufolano, raccontano strane storie…

“Paradigma” di Francesco De Girolamo

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# Francesco De Girolamo, grazia, Paradigma, Poesia

Francesco De Girolamo è un poeta che va assaporato lentamente, poesia dopo poesia, verso dopo verso, lasciandosi andare al vortice continuo della sua forma circolare, musicale eppure priva di facili morbidezze e manierismi banali; perchè ci si accorge subito che, sostanziale a questa forma, e nel contempo speculare ed intrecciato ad essa, vive un dialogo interiore sofferto, una volontà lacerante di svelare se stesso e il mondo.

Di conseguenza, De Girolamo è anche un artista che, per essere compreso a fondo, va seguito nel suo percorso poetico ed esistenziale sondando le sue variabili tematiche ed i suoi sviluppi estetici, ma anche la coerenza della sua scrittura e del suo “essere uomo” attraverso il tempo; quale migliore occasione per conoscerlo come merita, quindi, se non leggere questo volume, uscito nell’elegante presentazione editoriale di Lietocolle con il titolo di “Paradigma”, che unisce un’antologia personale e testi inediti dal 1997 al 2009?

Papaveri

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buio, follia, maggio, papaveri

 

maggio semina i prati
di raso in stracci squillanti – papaveri
foglie di follia sgusciata dal buio
penetrate nell’anima
 
hanno succhiato l’inverno,
forato cumuli, sterpaglie, le retrovie
 dei treni squallidi, campi felici
pettinati in larghe onde di attesa
laghi d’erba giovane, il mais
non ancora spuntato

tempio di fumo dopo la pioggia
un respiro di flauto rauco

Il cimitero dell’isola

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alberi, cimitero, isola, memoria

la presenza degli alberi 
abbracciava ogni pietra, ogni nome inciso
sprofondare di sassi, ossa senza nome
stridori di motoseghe nel cimitero ebraico
e quell’uomo, in alto, che gridava scostatevi
viene giù, crolla il ramo grande

Le vertigini delle arti giapponesi

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amore, odio, pittura giapponese, prospettiva, restauro, spada, volo d'uccello

Come ogni anno, la settimana della cultura ha offerto diverse ghiotte occasioni qui nei musei di Venezia, e non solo. Quanto a me, ho approfittato un’altra volta di un percorso visivo offerto dal Museo d’Arte Orientale di Ca’ Pesaro, presentato dalla restauratrice ed esperta di arte giapponese Barbara Biciocchi, che sa presentare questo mondo, per la maggior parte di noi inusuale e lontano, e quindi a maggior ragione affascinante, con l’evidenza, la semplicità e l’eleganza di chi padroneggia profondamente una materia.

Gli argomenti erano questi, supportati da un ricco materiale costituito da preziosi oggetti e dipinti:

Considerazioni attraverso le vertigini delle arti giapponesi, con gli occhi del restauratore .

Inusitati tagli prospettici, magici illusionismi. I sentimenti contrapposti dell’odio e dell’amore.

Cima da Conegliano, poeta del paesaggio

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Bellini, Cima da Conegliano, Giorgione, Paesaggio

Cima da Conegliano, poeta del paesaggio: arrivare nella sua città con il treno, dopo aver visto dai finestrini spuntare lo storico Castello che domina il gruppo di case ammassate ai suoi piedi, le colline ondulate intorno, sfumate fino a perdersi nell’orizzonte di nuvole e montagne azzurrine; scendere dal treno, visitare il centro della città fitto di portici e palazzi eleganti e ben restaurati, scegliere per fare questo una brillante giornata primaverile che rallegra ed euforizza dopo un inverno lungo come quello appena trascorso: ecco, tutto questo è quanto pone nelle migliori condizioni d’animo per godersi appieno la mostra di Giovanni Battista, detto Cima dal mestiere del padre, “cimatore” di panni. Perchè Cima è nato qui, e, quasi in ognuno dei quadri, riporta sullo sfondo nitidi e vivi, riconoscibilissimi dettagli di questo stesso paesaggio che abbiamo appena visto con i nostri occhi, anche se in parte modificato da trascorrere del tempo.

Lunedì sabato domenica

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barcaiolo, ceneri, chiese, domenica, Ghetto, lunedì, mattina, mezzogiorno, sabato, sera

                                                                                            foto di Piero Orsoni

Lunedì, illusorio principio
in circuito s-finito –
i bambini vanno all’asilo con cantilene
portali inghiottono gli scolari
in grumi di suoni

il battito dei ritardi scolla le suole
da masegni ancora notturni –
le speranze, tatuaggi e sgorbi di teschio

Un vagabondo di Hesse

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camminare, Hesse, vagabondo, viaggio

“Knulp, storia di un vagabondo” è un romanzo breve, o meglio l’unione di tre capitoli, ciascuno dei quali potrebbe essere un racconto indipendente che narra un episodio della vita di Knulp, simpatico personaggio, allegro in apparenza ma triste e solitario nel suo intimo; fu pubblicato da Hermann Hesse nel 1915, sei anni prima del famosissimo “Siddharta”, divenuto in seguito romanzo epocale, uno dei più letti in assoluto specialmente negli anni Sessanta. Nel 1911 era già stato in India, e del resto sua madre era nata in India, da padre tedesco e madre svizzero-francese.

“Camminare” di Henry David Thoreau

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camminare, natura, Thoreau, viaggio

foto di Piero Orsoni

Henry David Thoreau nacque nel 1817 a Concord, città del Massachusset: stato americano che le persone della mia età ricordano per una canzone dei Bee Gees, sorella della più famosa S.Francisco, inno alla pace contro la guerra nel Vietnam.

L’accostamento non è casuale: Thoreau, allievo del filosofo trascendentalista e teologo Ralph Waldo Emerson, autore del saggio “Nature”, volle non solo aderire teoricamente alle idee ecologiste e pacifiste del suo maestro, propagarle e svilupparle con scritti e conferenze, ma anche metterle in pratica. Il congenito pragmatismo americano divenne in lui voglia di azione, irrequietudine mentale e fisica portate alle massime conseguenze. Così, per opporsi alla guerra degli Stati Uniti contro il Messico, inventò la “disobbedienza civile”, e finì per breve tempo in prigione per essersi rifiutato di pagare le tasse.

COLLAUDI all’Arsenale

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Aron Demetz, Biennale, Collaudi, Davide Nido, Futurismo, installazioni, Marco Cingolani, Marco Lodola, Matteo Basilè, Nicola Verlato, pittura, Sandro Chia, Valerio Berruti

“La morte di James Dean” di Nicola Verlato

Nell’ambito dell’Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia, cioè la famosa Biennale, quest’anno il Padiglione Italia mi ha davvero entusiasmato; collocato alle Tese delle Vergini, nello storico Arsenale ( per intenderci, quello citato anche da Dante nella Divina Commedia), è stato intitolato “Collaudi”, parola cara ai Futuristi, e dedicato a Filippo Tommaso Marinetti. Il precedente Padiglione Italia, ai Giardini, da anni ospita un’altra sezione, internazionale, della Biennale; quindi gli artisti italiani, mescolati con il gruppo, rimanevano un po’ in ombra.

“Altro emisfero” di Marina Raccanelli

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isola tropicale, spaesamento, Trieste, viaggio

foto di Piero Orsoni

A te che vivi
eccitazioni e languori di un altro emisfero
sotto stelle velate e lune crescenti – respiri aria speziata
densa di palme e ocelli d’ombra
è primavera
il sole del tramonto pende
liquido e rosso sull’oceano, cade

a me basta un quadrivio
divergente dal colle, in un’altra città
agli angoli, mi sorprende un vento diverso
edifici plasmati in stile austroungarico
un caffè più nero
scudo d’argento convesso il mare
nel Carso le foglie d’autunno stillano sangue

mi basta questo
e la gente che passa, normale e strana
entro in un mio provvisorio
sradicato benessere

Telemaco Signorini, macchiaiolo inquieto

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Corbet, figure, macchiaioli, paesaggi, Proudhon, Telemaco Signorini

“Telemaco Signorini e la pittura in Europa”

Palazzo Zabarella, Padova, dal 19 settembre 2009
al 31 gennaio 2010

Un pittore che non avevo finora messo a fuoco, Telemaco Signorini: i suoi quadri mi erano apparsi accanto ad altri nell’ambito di esposizioni collettive, mi aveva talvolta colpito per un taglio particolare del paesaggio, per una luce tutta sua, ma non mi ero mai soffermata a lungo sulla sua personalità artistica. Ora questa esposizione a Palazzo Zabarella (Padova) lo mette in luce con ampiezza e novità di riscontri visivi e documentari; il visitatore è guidato con mano sicura attraverso una galleria di quadri ricca e mutevole, si sente che il ricco allestimento è sostenuto da un approfondimento scientifico. Telemaco Signorini ne esce come pittore completo, in evoluzione continua; non solo, si scoprono in questa mostra anche il suo lato letterario, la sua attività critica, le sue frequentazioni internazionali.

Le spiagge di Lucetta

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buio, luce, Lucetta Frisa, polvere, spiaggia

 

“Ritorno alla spiaggia” di Lucetta Frisa – 2009 – Poesie 2001-2007 – La vita felice (rilettura di Marina Raccanelli – foto di Piero Orsoni)

Quasi ogni sera torno sciroccata persa e grondante sudore da una spiaggia, quella del Lido, che una volta era ambiente da élite: immaginate “Morte a Venezia” di Luchino Visconti, Silvana Mangano con il suo cappello obliquo di pizzo color crema nei saloni belle èpoque dell’Hotel des Bains; pensate alla figuretta di Tadzio agli Alberoni, alla tragica figura del professor Aschenbach, morente sullo sfondo della città appestata, il tutto accompagnato dallo struggente adagio di Mahler…solo la città, oggi diversamente “appestata”, è paragonabile alle scene del film, evocatrici di un mondo definitivamente tramontato.

Paesaggio di famiglia

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boschi, famiglia, Paesaggio, ricordi

 

foto di Piero Orsoni

Che fine ha fatto
la pianta di fico oltre il muro – frutto
con piacere sottile visto spiccare al nonno:
aveva gli occhi di un’azzurro pallido, slavo
si accendevano quando squarciavo
la polpa rossa coi denti da latte

succhiavo zucchero in stille cadenti

POLVERE

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archi, ombre, polvere

ombre isolate, quando è sera
vanno strisciando –
archi aperti su polvere compressa
snodano il tempo in senso inverso

ricordo vapori luminosi oltre i rami
mentre volavo in bicicletta
esaltata a salire ancora, più in alto…
vedevo i monti e il cielo sotto di me
le nuvole sfilavano in corsa…

PUNTA DELLA DOGANA

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arte contemporanea, Jake e Dinos Chapman, Kandor, Maurizio Cattelan, Mike Kelley, Punta della Dogana, Superman, Takashi Murakami

Visitando esposizioni ed iniziative collaterali rispetto alla Biennale d’Arte di Venezia, in questo periodo ho potuto vedere mostre fra loro molto differenziate, ma certamente nessun luogo da me finora visto è paragonabile alla Punta della Dogana: qui ho potuto cogliere un confluire di opposti (antico-nuovo, storico-futuribile, piacevole-spiacevole, intellettualistico-viscerale, colore-non colore, bellezza essenziale e brulicare di forme, seriosità plumbea e godimento gioioso) , sia negli ambienti che nelle opere ospitate.

Appunti collaterali n.2

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Afghanistan, Chia, East-West Divan, Iran, Lituania, Pakistan, Warriors

Nell’ambito delle manifestazioni collaterali della Biennale d’arte, la sala dei Mercanti, situata proprio a fianco della stupenda chiesa della Madonna dell’Orto, ospita in questo periodo (cioè dal 3 giugno al 10 settembre) una spettacolare esposizione, che fonde Oriente con Occidente: il pittore italiano Sandro Chia ha dipinto con colori vivaci, densi, a contrasto, venti guerrieri di terracotta appositamente costruiti quasi identici agli originali dal Museo di Xi’an. Si tratta del famoso esercito dell’Imperatore Qin Shi Huang (259 – 210 a.C.), riportato alla luce da uno scavo archeologico tra i più importanti al mondo, dal 1974 e dichiarato, nel 1987, Patrimonio dell’Umanità, e la mostra s’intitola “The warriors”.